KUMA EXHIBITION 2026

「幽霊画」を制作テーマの中心に据え、あの世とこの世の境界が曖昧になるような表現を追求しています。描写の美しさだけでなく、素材が持つ特性を最大限に活用することを大切にしており、絵絹やアクリル板などの透過素材や反射材を使用することで、意図しない現象が発生する「唯一無二の魅力」を持った作品を目指しています。視覚的に認識できるかできないかという曖昧な表現や、本来の素材とは別のものに見えてしまうような感覚を大切にしており、私にとっての幽霊画は単なる恐怖の対象ではなく、一つの「寄りどころ」としての意味合いを強く持っています。目に見えなくともそこにいる気配を感じさせる、見守ってくれる存在としての幽霊を描くことで、単に怖い、悲しい、暗いといった一側面だけの表現にならないよう心がけています。今後は幽霊の定義といった概念的な調査を基に、複数の層を重ね合わせることで、より理想に近い幽霊像を形作っていきたいと考えています。

幽霊という存在は一般的に恐ろしいものとして描かれる反面、地域によっては雨乞いの儀式の触媒や縁起物として信仰されてきた歴史的な二面性を持っています。私自身も制作を通じて、負の感情や対象が場合によっては「良いもの」に変わり得るという希望を見出しており、作品を通じてその多面性を伝えていきたいと考えています。人々が私の作品や、そこに生じる不思議な現象を目にした際に、単に「幽霊がいるのかもしれない」と感じてもらうだけではなく、生活の中のふとした瞬間に「目に見えないものたちがいる世界」を想像するきっかけになることを願っています。意識しなくともすぐ側に存在しているかもしれない、もう一つの世界に目を向けることで、人々の想像力や世界への見方が豊かになるような影響を与えたいと考えています。

デジタルメディアを用いながら、「どうやったら一人になれるか」ということを一貫したテーマとして研究・制作しています。SNSに代表されるメディアは、自分と誰かを接続するための技術である一方で、歴史的には読書の誕生のように「人間に一人で知識を得させる」という側面も持っています。このように、メディアが誰かを繋げつつも最終的に人を一人にさせる効果を研究しており、作品『ドラマチック・キャッチボール』ではその感覚を表現しました。本作は3人1組でチャットツールを用いて会話をしますが、「最新の投稿が閲覧できない」「会話を成立させなければならない」という制約があります。前の発言が分からないまま「それっぽい返信」を繰り返す演技的なコミュニケーションを通じて、人が誰かと繋がっている感覚を得ながらも、同時に一人であるという曖昧な境界線を浮き彫りにすることを大切にしています。

現在の研究テーマのきっかけは、コロナ禍で大学に行けず、結果的に一人になった経験にあります。その際、一人の状態を「自分のせい」ではなく「環境のせい」にしたい、そう解釈すべきだと考えたことが大きな転換点となりました。私が伝えたいのは、あなたや私が今一人であるという状態は、良くも悪くもなく、何かしらの環境要因によるものであり、決して本人のせいではないということです。制作や研究を通じて自分自身の過去を救い、自己救済を試みるプロセスは、あの頃に多くの人が抱えていた悩みとも通底しているはずです。作品に触れた人が、今一人であるという状態を肯定も否定もせず、「そういうこともある」と受け入れられるような視点を持つきっかけを提示したいと考えています。

常に新しい表現に挑戦し続けることをモットーとし、毎回異なる手法やアプローチを試みるよう心がけています。制作においては、自分一人の世界で完結する自己完結的な表現に留まらず、作品を見てくれた人と何らかの形で共鳴できるような「開かれた作品づくり」を大切にしています。
普段は油彩を用い、日本的な平面表現と西洋的な写実表現を融合させ、異なる次元の存在が混在する不思議な空間を描いています。モチーフには自己投影や社会の様相を反映させることが多く、例えば「魔法少女」は祈りの具現化や変身願望の象徴として、「背広姿の男性（昭男）」は実の祖父をモデルに、社会での生きづらさや閉塞感、哀愁を投影したキャラクターとして描いています。描かれた対象の解釈を固定せず、見る人それぞれの感じ方を尊重するために、あえて作り手としての正解を明示しないように意識しています。

100年先の未来を生きる人々が私の絵を見た時に、今という時代がどのようなものであったかを想像できるような「時代の目撃者」としてのスタンスを大切にしています。私にとって絵画は言葉以上に雄弁なコミュニケーションツールであり、作品を通じて社会にポジティブな刺激を与えたいという願いが根底にあります。
作品に触れた人の心に何かが響き、新しい気づきを得るきっかけを提供できることを理想としています。絵を描き、それを鑑賞するという行為がもっと身近なものになり、誰もが自分の感性で作品と対話できるような豊かな関係性を築くことで、人々がより生きやすい社会になるような影響を与えていきたいと考えています。

詩や短歌といった言語創作を活動の基盤に置き、「自分の言葉をどのように他者に伝えていくか」というプロセスを大切にしています。
卒業制作『Inword facing Outward』では、個人の内面的な言葉（Inword）が、外部の世界（Outward）といかに向き合い、接続されるかをテーマに据えました。表現手法として電光掲示板を選択し、個人的で繊細な詩の世界を公共性の高いメディアに載せ、さらにそれを街中に持ち出したりゲリラ的に設置したりする行為を通じて、言葉が外の世界に晒され、広がっていく感覚を重視して制作しています。

詩や短歌の創作を通じて、言葉によって立ち上がる独特な感覚の世界を、社会の中で具現化していきたいと考えています。
電光掲示板を街中で持ち歩くといった実験的な試みを通じて、文学的な表現を本の中だけに留めるのではなく、より多くの人が日常の中で共有できる身近なものへと拡張することを目指しています。
作品に触れた人々が、自分自身の中に眠っている「詩的な感覚の種」に気づき、それが開花していくような体験を届けたいです。将来的には、よりパブリックでフレキシブルな表現を追求し、多くの人と感性を共有できる豊かな場を世の中に創り出していきたいと願っています。

自らを「現代の錬金術師」と称し、宗教や神話、オカルト、自然科学といった多様な物語からインスピレーションを得て、独自の立体作品や大規模なインスタレーションを制作しています。
制作において大切にしているのは、本来対立する概念（現実と非現実、生命体と非生命体、自然物と人工物など）を融合・再構築し、新たな存在へと変容させるプロセスです。
代表作の『My Angels Record』では、学校の2つの部屋を繋ぎ、中央に6メートルもの巨大な台座を設置した神聖な空間を作り上げました。また、自らのルーツである中国の工業都市での経験から、あえて「芸術」や「精神性」とは無縁だった環境への違和感を原動力に、自らの身体で世界を感じ、形にすることを重視しています。

資本主義や実用主義、あるいは投資の対象としてのみ価値が測られがちな現代美術の現状に対し、芸術が本来持っていた「高い次元の境界」や「自我の意識を繋ぐ手段」としての役割を取り戻したいと考えています。 作品を通じて、現代社会で失われつつある「宗教性」や「精神性」を人々の心の中に呼び起こすきっかけを作りたいという想いがあります。 独自の「場」と「時間」を提示することで、鑑賞者が自身の内面と向き合い、既存の価値観にとらわれない未知の感覚を再獲得できるような影響を世の中に与えていきたいと願っています。

私は、食べ終えたお菓子のゴミや、実際に自分で使用していた日用品など、自身の記憶が染み付いたものや、家の中にある生活に寄り添っているものを、生き物のように動かす立体作品として制作しています。
これは、モチーフを使っていた当時の過去の自分を振り返ったり、最近思っていることを綴ったりする「動きによるエッセイ」のようなものです。
動きの仕組みには、モーターや磁石、3D CADで設計した機構を3Dプリンターで出力したものなどを組み合わせています。いわゆるロボットや、からくりではあるのですが、「操られている」のではなく「自らの意思で動いている」ように見せることを大切にしています。

例えば「ノーコメント」という作品は、一見ただのポテトチップスの袋ですが、優しく手を置くと呼吸と鼓動が感じられます。社会では大きな声で強い言葉を使わないと、集団の中で存在しないのと同じであるかのような雰囲気がありますが、何も話せなくても「私やあなたはそこに存在している」ということを、目に見えない動きと意志で表現しました。
ペットロボットなどは、触ると喜んだり怒ったりといったフィードバックがありますが、私の作品がそれらと大きく違うのは、触っても呼吸や脈拍が変化しないことです。「自分の意思は他者に簡単にはコントロールできない」ということを表現しており、それがロボットと生き物の違いだと考えています。
最近では、制御された動きと、重力や摩擦などの自然現象によって発生する動きを組み合わせて、意思を感じさせる、かつ心地よい動きの実験をしています。

悲劇は人の心を動かしやすく、創作物のテーマにもなりやすいものです。実際にSNS上でも、悲しみや怒りを吐き出した投稿が溢れていると感じています。私自身も学部の頃は、コロナ禍の記憶など「悲しみ」をテーマに制作していました。

しかし、悲しみばかりをテーマにしていると自分自身の気分も沈んでしまいますし、悲しみばかりを芸術にするのは寂しいなと思うようになりました。そのため、最近では悲しみだけでなく、喜びや、そのどちらでもないような感情も美術作品のテーマにしています。

私は「社会奉仕をしよう」と思って作品を作っているわけではなく、あくまで自分のやりたいことをやっているのですが、それを作品として展示することで、思いがけない方々から「すごく共感して救われました」という言葉をいただくことがあります。

「人を救おう」と意図して制作しなくても、結果的に誰かを救うことになり得る。 最初にあまり「これだ」と決めつけずに、自分のやりたいことを追求することが大事なのではないかと考えています。

「線を引く」という単純な行為を通じて、時間や身体がどのように世界を刻むのかをテーマに制作しています。制作において、線は自身の「決断の痕跡」であると捉えています。
身体のわずかな揺れや躊躇がそのまま線として残るという、制御しきれない身体の動きと時間が作品に現れる表現を大切にしています。代表的なパフォーマンス作品『川の流れのように』では、自身で制作した幅2メートルの刷毛を使い、10メートルのロールキャンバスに2時間かけてゆっくりと線を引きます。その際、来場者が自由に絵具を足すことで生まれる「他者の介入」という不確実な要素をあえて受け入れ、微細な変化を作品に落とし込むプロセスを重視しています。

自身の行為が世界にどのように介入し、影響を与えるのかという問いを追求しています。
作品を通じて、自身の心の揺らぎや、社会との繋がりといった目に見えない事象が身体を介して広がっていく感覚を、鑑賞者にも共有してもらいたいと考えています。
思考よりも早く表出してしまう人間の癖や、微細な動きから生まれる感情といった、理屈を超えた「率直な表現」を提示することを目指しています。無意識下の動作が持つ意味を深掘りし、作品そのものが語りかけてくるような体験を届けることで、人々の感性に働きかけていきたいという願いを持って活動しています。

「認識の両義性」をテーマに、主に絵画を制作しています。人々が知覚する世界において、言葉や知識として認識される世界と、身体を通じて実際に経験される世界との間にある「ギャップ」を重視しています。
制作プロセスでは、歴史的なチェスの試合記録を全く異なる言語で記述して歴史画として描き直したり、家庭用の蛍光灯と海岸線のイメージといった、日常の異なる場面から切り取られた記号をぶつけ合い、再構成したりする手法を採っています。こうした操作を通じて、曖昧な領域に新たな視点を提示し、鑑賞者に全く予想のつかない想起を呼び起こすことを大切にしています。

日常的な認識を転換させ、異なる視点を探るための「態度」を作品を通じて示していきたいと考えています。
また、絵画というメディアが持つ「同じ空間に存在し、二人以上で一緒に観る」という体験の特殊性に着目しています。一つの画面を共有しながら異なる認識について語り合える場を創り出すことで、個々人の認識を社会的な次元へと押し上げていくことを目指しています。
近年はオーストリアのウィーンでのフィールドワークを通じ、土地の利用と自然観の関係性についてのリサーチを行いました。こうした実際の経験から得た知見を作品に取り込み、世界と鑑賞者を繋ぐ媒介としての役割を果たしていきたいと願っています。

身の回りの空間に潜む気配や、普段は見過ごされてしまうような些細な動きをテーマに、インスタレーション作品を制作しています。
作品『彼らはもうきっと私たちのことを見ていない』では、2枚の凹面鏡を用いた独自の視覚体験を創出しています。また、都市空間のタイルに苗のようなオブジェクトを並べて田んぼを出現させた『Farming Somewhere Nowhere』では、駅の通路といった**「ただ移動するためだけの空間」と、人間が土地に定着する原点となった「畑や田んぼ」**を結びつけ、その場所に一時的な幻覚を立ち上げるプロセスを大切にしています。日常の風景からこぼれ落ちる記憶や物語を、映像やテキスト、造形など多様なメディアを介して可視化することを目指しています。

人間の存在が前提になっていない空間をいかに作るか、という問いを投げかけ、人々の知覚や感覚に揺らぎを与えたいと考えています。
AIや都市インフラが進化し、人間以外の存在について考えることが重要性を増している現代において、「人間の価値観や尺度」から離れ、ものそのものが持つ意識や尺度で世界を捉え直すきっかけを提示したいという想いがあります。
自身の作品を通じて、鑑賞者が「都市の見る夢」のような非日常的な感覚に触れ、既存の価値観にとらわれない新しい視点や感性を獲得できるような影響を世の中に与えていきたいと願っています。

「軽やかさ」や、作品を通じて日常とは異なる景色が見えてくるような感覚を大切にしています。展示場所としてのこだわりもあり、展示のための非日常空間に作品を置くのではなく、人々が今まさに生活している場所や、地続きの日常の中に作品を設置していきたいと思っています。
制作においては、特定の機能や目的を持っているかのように見えて、実際には何の目的も持っていない立体作品を継続的に追求しています。当たり前だと思っている認識が切り替わる瞬間や、普段見過ごしている風景を新しい視点で捉え直すきっかけを作品に持たせたいと考えています。

私の作品に触れることで、観る人の肩の力が少し抜けるような、日々の中でふっと息をつけるようなことができればいいなと考えています。なんとなく見覚えがあるけれど正体がわからない、といった不思議な感覚を呼び起こすことを目指しています。
将来的にはパブリックアートのようなものにも挑戦してみたいと思っていて、終了制作では横６メートルある大きい作品を制作しました。日常生活の中に「大きく、よくわからないもの」が当たり前の顔をして存在している。という光景をつくり出すことで、日々を生きていく中でのちょっとした救いみたいなものを存在させられたらと願っています。

鉄を主体とした金属造形作品を制作する中で、自分自身の心や素材そのものに対して素直であることを大切にしています。自身の内面から湧き上がる感情をありのままに捉え、それらを形にすることを重視しています。制作の背景には、自身を取り巻く社会やコミュニティにおける人間関係、そしてそれに伴う心情の変化があり、そこから見えてくる「人間のリズム」をテーマに据えています。また、自然をモチーフとすることで、抽象的で曖昧な心象を具体的なイメージへと変換することを試みています。波の揺らぎに感情の流動性を重ねるように、自然の象徴を介して内面を詩的に表出しようとしています。
さらに、金属加工という時間の流れの中で、素材の流動的な変化に敏感であることを心がけています。自身の手で素材と戯れた痕跡をフォルムとして残すことで、鑑賞者が純粋に美しい、あるいは面白いと感じられる表現を追求しています。溶接・溶断・鍛造といった工程を通して生まれる金属の現象を、人と人との縁や時間の流れに重ね合わせ、個々のリズムがゆらぎ合う様を造形化しています。

人間の内面は非常に複雑で、曖昧な模様のようにざわめいているものですが、それらは目には見えずとも確かに存在しています。そうした声にならない心の動きや微細なニュアンスを、作品という形を通して視覚化し、社会に提示していきたいと考えています。金属という強固な素材を用いながらも、そこに詩的で繊細な表現を宿すことで、内面の揺らぎや人と人との関係性を表現しています。言葉を発さずとも作品を介して他者とつながり合える可能性を信じ、表現の必然性を問い直しながら、人々の心に柔らかく響く作品を生み出していきたいと考えています。

パフォーマンスを「タフな実存の実演」と定義し研究・制作を行っています。
私にとってパフォーマンスとは、何か特定の目的や完成を目指すものではありません。日常生活を含めて行われる全ての行為をパフォーマンスとして捉えています。
パフォーマンスを作品として提示することは、その行為が示す態度を自覚してその上で社会に提示することだと考えています。
作品『shika dance』では、地元の海岸で漂流物である石や貝を自らが決めた規則（グリッド）に沿って並べ、波に崩されてはまた並べ直すという行為を繰り返しました。こうした環境に対する自らの態度や、秩序を再構築し続ける身体行為のプロセスを大切にしています。

「不安」という感情を創作の主要なモチベーションとしています。
これまでの既存の価値観が通用しなくなっている現代において、自らの身体と世界との折り合いをどうつけるかという問いに向き合っています。
社会から与えられる新たな価値をただ待つのではなく、一人ひとりが「何に自分の価値を置くのか」を自ら選び取っていくための「タフさ」が必要だと考えています。
自身の作品が、鑑賞者にとって「タフな実存」のための防災訓練や練習、あるいは思考を深めるための材料となり、社会に静かな影響を与えていくことを目指しています。

特定の風景をモチーフに、自身の身体が反応する瞬間や、より深く見つめていたいと感じる景色を絵画に落とし込むことを大切にしています。
制作においては、自分がその風景に包まれている感覚や、その場の全体の雰囲気を一枚の絵の中にどのように再現するかを常に追求しています。
また、風景を目にした際の「時間感覚」や「重力」といった目に見えない要素を表現するために、垂直方向のストローク（筆運び）で画面を埋めていく独自の描画スタイルを重視しています。
作品を通じて、鑑賞者が自身の立っている場所や周囲の空間を再認識できるような装置としての絵画を目指しています。

自身の作品が、展示空間やその場所を彩る一つの要素として溶け込み、そこを訪れる人々の目に入ることで、空間全体の力を強めるきっかけになればと考えています。
鑑賞者が作品と向き合った際に、かつて自身が風景の中で感じた感覚が、鑑賞者の身体の中で再び再現・再演されるような体験を届けていきたいです。
私の活動そのものが世の中に大きな変化をもたらすというよりは、作品を目にした人々の心に、日常の風景や空間を捉え直すような些細な揺らぎや変化を生み出すことができれば幸いです。
そうした場所や体験を増やしていくことで、人々と風景の豊かな関係性を築いていきたいという願いを持って制作を続けています。

「衣服」を単なる布のまとまりとしてではなく、着用者の生命活動が実践される「場」そのものとして捉え、制作を行っています。
制作において大切にしているのは、着用者と衣類を取り巻く環境全体（場）を扱うことです。例えば、朝起きて冷たい床を歩き、ソファーに脱ぎ捨てられたシャツをそのまま被って着るという一連の動作や、その時の床の冷たさ、衣類が置かれた状況までもが「衣服」を構成する要素であると考えています。
作品『着装空間』では、吊り下げられた衣服と傾斜のある什器を連動させ、着用者が重心のバランスを取りながら、狙った衣服をいかに着るかという身体的な体験を可視化しました。また、演奏者やパフォーマーといった他分野のクリエイターと協働し、衣服の着方を研究・パフォーマンスとして昇華させるプロセスも重視しています。

これまでの衣服表現は、主に人間の身体や社会構造に依存した形で行われてきましたが、そこに新たな視点を提示したいと考えています。
具体的には、人間の生命が持つ「多元性」に着目し、身体や社会といった枠組みとは無関係に存在する生命としての在り方、あるいは彼らの生き方にも対応し得るような、新しい衣服の表現様式を構築することを目指しています。
自身の活動を通じて、衣服と人間の関係性を問い直し、既存の価値観にとらわれない豊かな表現の可能性を世の中に示していきたいと願っています。

「記憶」という曖昧な領域をテーマに、フィルム写真や立体を用いたインスタレーションを制作しています。その曖昧な構造がいかにして成り立ち、空間や時間とどのような関係を結ぶのかを常に考えながら活動しています。
制作プロセスにおいて大切にしているのは、素材と技法の選択です。自身で見つけ出した「ファウンド・フォト」や「ファウンド・オブジェクト」を作品に取り入れることが多く、それらをベースに鋳造（キャスト）によって複製したり、新たな手を加えたりすることで、独自のイメージを構築しています。自ら作品を作り込む部分と、あえて手を加えない部分、その間にあるグラデーションや微細なチューニングを積み重ねるプロセスを非常に重視しています。

記憶とは単なる「アーカイブ（記録）」ではなく、人が思い起こすたびに少しずつずれ、変化し、再生され続けるものであると考えています。
作品を通じて、人それぞれの中に確かにあるけれど、一つとして同じではない物語や、生成されるたびに変化していく記憶の多層的な構造を提示したいと考えています。一回性のものではない記憶の質感を表現することで、鑑賞者が作品と向き合った瞬間に「確かなものが目の前にある」という感動を共有し、その心の揺らぎを伝えていくことを目指しています。

「見ること」における不確かさや、視線の揺らぎを表現の核としています。これまでは、布に熱を加えて収縮させたものを空間に広げ、光や場所性、見る人の立ち位置によって変化する大規模なインスタレーションを制作してきました。最近ではその関心が平面作品へと展開しており、布の織りの方向の違いや光の当たり方の違いによって見え方が変わる表現を追求しています。自身の幼少期を振り返ると、服を選択して身に付けることや布と触れ合うことへの興味が非常に強く、その記憶が現在の創作活動の原点となっています。大学学部時代には、もともと絵具で行っていた表現をそのままファッションの専門学校での学びに繋げ、布という素材と改めて向き合いました。そこで、絵具で表現していたことと同じことが布を通じても可能であると直感し、自分にとって最も自然な行為として布を用いた制作を大切に続けています。

これまで空間規模で追求してきた「揺らぎ」や「装い」という感覚を、より絵画的なフォーマットへと落とし込み、深めていきたいと考えています。平面という限られた枠組みの中であっても、空間のような広がりや視線の揺らぎをどこまで提示できるかということに挑戦しています。私がテーマとして掲げている「装う視線」という言葉には、人が服を装う際、他者からの視線を意識しながら「自分がどう見られたいか」を選択しているという考えが込められています。自らの意志で選択しているつもりでも、実はその時代の空気や環境に影響を受けているという側面があり、そうした社会の中で「見ること」がどのように形作られているのかを作品を通じて問い直したいと考えています。他者からの視線を受け入れながら自己を形成していくプロセスを、否定的なものではなくポジティブなものとして捉え、人々に受け入れられるような作品を世に送り出していきたいと願っています。

テクノロジーの発展に伴い、これまで以上に浮き彫りになってくる社会の倫理的な違和感や、未来の人間社会に起こりうるあらゆる可能性を提示することを大切にしています。
制作においては、映像、光、素材、空間そのものを組み合わせることで、鑑賞者が社会の違和感を体感的に自覚できるような「環境」を創り出すことを常に意識しています。
過去の卒業制作『二十一世紀の空蝉』では、デザイナーズベイビーが当たり前になる未来をカスタム可能な人形工場として表現したり、地球外生命体の視点から人間を客観的に捉え直したりといった試みを行いました。
自分自身の内面を表現するのではなく、常に対象を外部（社会や未来）に向け、説得力を持たせるために当事者性と観察者の視点のバランスを保つ制作姿勢を重視しています。自身の作品を通じて、鑑賞者が自分自身の認識をそっと疑い直すきっかけを届けたいと考えています。

自身の作品を通じて、鑑賞者が自分自身の認識をそっと疑い直すきっかけを届けたいと考えています。
社会の急速な変化に対して安易に肯定も否定もせず、日常の中で見過ごされたり誰かを傷つけたりしている「小さな棘」や、名前のない漠然とした不安を可視化することを目指しています。
作品に触れた人が、現代の倫理観や知覚の変容について深く掘り下げて考えるための「未来の断片」を提示することで、誰かの心の重荷が少しでも軽くなるような影響を世の中に与えていきたいと願っています。

人間と非人間の境界を問い直すことに深い関心を抱き、制作に取り組んでいます。近年は、プラスチックを生分解できる虫と共働し、領域横断的なインスタレーションを制作しています。
制作の背景には、非人間的な存在を介して人間の営みや文明を捉え直す「ポストヒューマニズム」的な視点があります。例えば、プラスチックを虫が食べ、その虫を最終的に自身が食べるというプロセスを描いた映像インスタレーション『文明を食べる精霊』では、身体の内部と外部、そして自己と他者が行き来する複雑な関係性を表現しました。
石油由来の素材が辿ってきた数十億年という地質学的時間、人類が築いた150年の技術文明の時間、そして虫が生きる数ヶ月という生命スケール。これら複数の時間と視点を往復しながら作品を構成することを大切にしています。

世界を「善悪」や「自然対人工物」といった単純な二項対立で切り分けるのではなく、もっと複雑で動的、かつ矛盾や曖昧さを含んだ「生態系的な視点」で捉え直すきっかけを提示したいと考えています。
例えば、プラスチック問題の解決策として注目される一方で、養蜂においては害虫とされる「ワックスワーム（ハチノスツヅリガ）」のように、一つの定義では語りきれない複雑さにこそ、表現者が取り組むべき領域があると感じています。
既存の概念の分断を解体し、人間中心ではない視点を持ち直すことは、これからの社会や倫理の再構築において非常に重要であると信じています。作品を通じて鑑賞者に問いを投げかけ、ふと立ち止まって思索に耽るような場を創り出していくことを目指しています。

木材を用いて、平面や立体の作品を制作しています。制作において最も大切にしているのは、自分自身の身体性やバランス感覚を尊重し、実際に手を動かしてものをつくるプロセスです。
特に2023年に制作した『豊かさを見る』という作品をきっかけに、現在も多くの作品で「木」を主素材として扱っています。昨年からは、ベニヤ板を手作業でパズルのように組み合わせていく平面作品のシリーズに取り組んでいます。一定の規則性を持って手ノコギリで素材を切断し、はめ込むという一連の身体行為を繰り返す中で、意識が限りなくフラットになり、トランス状態のようになっていく感覚を大切にしています。また、自身の意識が影響を受ける「場」や「環境」「視点」、そして「目線の移り変わり」そのものに対しても強い興味を抱き、制作の糧としています。

自身の作品を通じて、言語化することが難しい「何らかのセンス」のようなものに、人々が触れるきっかけを作りたいと考えています。その探究のために、モロッコ、ドイツ、デンマークなどを旅し、各地に根付くものづくりの姿勢や伝統的な建築に触れ、空間が人の意識をどう変化させるかをリサーチしてきました。
3月の「KUMA EXHIBITION」では、これまで続けてきた平面作品を約1.8メートル（6フィート）四方という大きなサイズで展開する予定です。制作時に自身が感じているトランス的な意識の広がりを、作品の大きさ（スケール）を通じて鑑賞者にも追体験してもらいたいという願いがあります。率直に「自分がそれを体験してみたい」という初期衝動を形にすることで、人々の感性に響くような新しい視覚体験を世の中に提示していきたいと考えています。

日常の中で見つけた、他の人があまり気づかないような些細なものや出来事を作品に取り入れることを大切にしています。制作においては、鑑賞者の記憶に一瞬で残りつつも、長い時間見ていられるような、相反する要素が共存した作品を目指しています。
ここ3年ほどは、駅の構内や商店街などで「誰かのメモ」を拾い集めています。買い物リストのような何気ない言葉の断片から、書き手の生活や思考、心の内の思いを読み取ることに興味を持っています。
自分は彫刻科に通っており、立体作品も製作しています。例えば、リードが絡まってケルベロスになりそうな3匹のチワワを目撃して制作した「チワベロス」や、祖父の家の庭で拾ったスズメの卵のために制作した「スズメの卵のための巣」など、日常のから着想を得て、それを彫刻として再構成する試みをしています。

自身の作品を通じて、鑑賞者の「ものの見方」に些細な変化を与えれたら嬉しいです。私の活動そのものが世の中に大きな影響を及ぼす事はないと思いますが、作品を目にした人が、日常の風景を少しだけ違う視点で捉え直すきっかけになれば幸いです。
展示では、立体作品に加えて、これまでに収集したメモを一冊の冊子にまとめたものも展示しています。本来であれば見過ごされて消えてしまうような出来事を、作品の中に組み込むことで、鑑賞者に静かな変化をもたらしたいと願っています。

刹那的なドローイング、つまり日常の中でふと忘れてしまうような瞬間を忘れないように描き留めることを大切にしています。日々の断片は非常に脆く弱いものですが、それを作品として形にすることは自分にとって極めて重要なプロセスです。最近では、キャンバスにアニメーションを投影した青い作品など、刹那的な弱さや脆さが鑑賞者にダイレクトに伝わる表現を追求しています。制作環境にもこだわりがあり、薄暗い部屋でiPadを用いて描く際の独特な雰囲気や、そこで読み取った色や空気を作品発表の場にも持ち込みたいと考えています。作品を単なる画面内の話として完結させるのではなく、展示空間全体やその場にある他の物も含めて一つの作品の一部として扱うことを重視しています。

日常の当たり前の瞬間、例えば「息をしていること」のような、誰もが意識せずに享受していることに改めて自覚的になれるようなきっかけを届けたいと考えています。何千年も残る可能性を持つ「絵画」という手段を通じて、2025年という今を生きる一人の人間がどのように暮らし、何を感じていたのかという情報を後世に伝えていきたいです。私にとって絵は、言語以上に雄弁なコミュニケーションの手段です。言葉で会話をするのと同じように、絵を通じて人と対話することがより身近なものになればと願っています。「上手い」「すごい」といった評価だけで終わるのではなく、絵で会話をするような感覚が社会に広がることで、より多くの人が生きやすくなるような影響を与えたいと考えています。

「絵画的な見え方のある彫刻」をテーマに制作を行っています。彫刻作品でありながら、輪郭の強さを感じさせたり、平面的な空間性を持つ色彩を施したりすることで、彫刻と絵画の要素を融合させるプロセスを大切にしています。
制作手法としては、色で染めた紙を立体物に貼っていくことで彫刻を作り上げます。単に色を塗るのではなく、特定の対象（例えば「木」など）を表現する際も、同じ色の濃淡を使い分け、遠近感や絵画的な秩序を立体空間に落とし込むことを意識しています。
作品の形態としての彫刻と、描かれた事象としての絵画が、互いに引っ張り合いながら新しい価値を生み出すような制作の尺度を追求しています。

近年は、実際の漫画のイラストをそのまま彫刻の素材として用いるなど、彫刻の形態と漫画という絵画的表現をより直接的に対峙させる試みに挑戦しています。
彫刻でも絵画でもない、あるいはその両方の目的を同時に持たないような「間の距離」そのものに制作の目的を置くことで、新しい表現の在り方を世の中に提示したいと考えています。
本岡さんは、こうした自身の表現を「彫刻の間の表現」と名付けており、将来的には同じような志を持つアーティストを集めた展示を開催したいという夢を持っています。自身の活動を通じて、表現の既成概念に「爪痕」を残し、鑑賞者の感性に新しい刺激を与えることを目指しています。

「構築書」という、文章と図面、そして書の技術を三位一体とした独自の作品制作を行っています。幼少期から慣れ親しんできたファンタジー小説や漫画の世界観、特に異世界の物語における暮らしぶりや、宙に浮遊する都市構造などのビジュアルを、書をベースとした独自の表現へと落とし込んでいます。
制作においては、書道としての伝統的なルールの遵守と、そこからの脱却という両面を大切にしています。一発書きで下書きをせず、文章通りにフリーハンドで書き進めるという書本来の「線の旨味」や精神性を重んじる一方で、既存の価値観にとらわれない新しい創造性を追求しています。例えば、文明が退化し終わりゆく想像上の惑星から都市構造が脱却していくストーリーを、墨の量や印象を変え、白と黒のバランスを二重螺旋のように交差させることで表現しています。

現代はメールのタイピングやインターネット、さらにはAIの台頭によって自ら文字を書く機会が減少していますが、だからこそ「無くならないものの価値」が重要になると考えています。書道が単なる「字の上手い・下手」という限定的な価値観のみで語られる現状を、もっと面白く、楽しいものへと変えていきたいという願いがあります。
一人ひとりの字の書きぶりや空間の取り方、画材による掠れ、墨の濃淡といった表現は、書き手の価値観や見え方が反映される唯一無二のものです。作品やワークショップを通じて、日常にある「文字」という存在を、これまでとは全く違う多角的な価値観で体験できるきっかけを届けていきたいです。書の持つ美しさや可能性を自分なりの作風で発信し、人々の暮らしに新しい刺激を与えられるような影響を生み出していきたいと考えています。

「どこにも完全には属さない」という感覚を創作の出発点としています。中国で生まれ、日本とイギリスで学ぶ中で、移動のたびに公的な「証明」を求められてきた経験が、自身のアイデンティティや「自由」「所属」について深く考えるきっかけとなりました。
制作においては、単に「何かを見せる」ことよりも、鑑賞者の身体が自然に作品のリズムへ入り込んでいくような「空間そのものを設計する」プロセスを大切にしています。例えば、イギリスでの卒業制作『A Drawn Line』では、英仏間の海上国境線をプールのコースロープでなぞり、その海水を回収して展示会場に持ち込むといった、物理的な移動を伴う行為を作品化しました。政治や倫理といった重層的なテーマを直接語るのではなく、素材の中に潜む構造や文脈をそっと浮かび上がらせる表現を重視しています。

近年は「レシピの再現」をめぐるプロジェクトを通じて、歴史的な眼差しや記憶の継承というテーマに取り組んでいます。ロンドンで偶然手にした植民地時代の香港の中華料理レシピ本から、当時の「他者を見る視線」が料理を通じて現代の家庭に再現されてしまう危うさを感じ、そこから生じる違和感を問いとして投げかけています。
作品制作や執筆活動を通じて、社会に対して単に答えを提示するのではなく、自分自身がどのように「植民地化」されてきたのかといった気づきを身体を通じて考え続ける「実践の場」を創り出そうとしています。既存の枠組みにとらわれない新しい思考の在り方を世の中に提示し、多様な解釈を共有できる場を提供することを目指しています。

移⺠や留学などの経験を通じて、住む場所が変わるたびに⾵景の⾒え⽅が変化していくという⽇常的な体験を制作の根幹に置いています。当たり前だと思われている「⽇常の⾵景」が、実は極めて曖昧で不確実なものであるという認識を⼤切にして絵画作品を制作しています。
制作の出発点には「マンガ」があります。キャラクター同⼠の掛け合いよりも、背景や空間、吹き出し、効果⾳といった要素に強く惹かれ、消費し尽くされた記号の奥に潜む静かな存在感にリアリティを⾒出してきました。線と⾯でイメージを⽴ち上げ、影を切り貼りするように空間を再構築することで、⾵景画として新たな物語を⽴ち上げるプロセスを⼤切にしています。私にとって絵を描くことは、その場所をもう⼀度⾃らの⼿で確かめるような⾏為であると考えています。

現代社会では、実際の体験よりも先に「イメージ」として風景に遭遇することが増えており、場所の感じ方そのものが変容していると感じています。私の作品を通じて、人々が当たり前だと思っている風景が実はとても脆いものであることに気づき、見慣れた街並みや建物が全く違う風景として立ち上がってくるような体験を届けていきたいです。自分自身が知っているものであっても、あるいは全く知らないものであっても、理解が追いつかないような違和感や不確かさを含めて、世界を「美しいもの」として捉え直すきっかけを提示したいと考えています。作品を通じて、風景に対する新しい解釈や視点を自分なりに発信し、人々の想像力に働きかけていきたいという願いを持って制作に取り組んでいます。

作者の操作が及ばない時間、すなわち素材が持つ固有の性質やそれが置かれた環境の影響によって、⾃然に形が⽣まれたり変化したりする造形プロセスを独自に構築して創作活動を行っています。造形プロセスの構築の起点になっているのは⽇常⽣活の中に潜む身近でささやかな現象です。例えば、作品『My Garden』は、お⾵呂場の天井に水滴が付着している光景から着想を得て制作しています。⽔を「樹脂」という別の素材に置き換えることで、水滴が形成される不安定な瞬間を固定化すると共に、この固定化を反復させて新しい表現の展開を試みました。表現を展開する際は、造形プロセスそのものの魅力を損なわないように、⾃⾝の意図や操作の介入が過度にならないよう心がけています。作品との適切な距離感を計り、予想し得ない形が生まれる瞬間を⾃らも楽しむ姿勢を大切にしています。

制作者であると同時に⼀⼈目の鑑賞者として、「⾒たことがないのに、どこかで⾒覚えがある」という未知と懐かしさの共存する不思議な感覚を他者と共有したいと考えています。身近で自然な現象を起点とすることで、鑑賞者それぞれの内にある記憶や感覚に触れられる表現を目指しています。「⽬に⾒えていること」と「感覚で受け取ること」との間に生じるギャップや違和感を、心地よい刺激として空間全体に広げていきたいと考えています。作品を媒介として、現実世界の中に物質的且つ非日常的な風景を作り出し、鑑賞者の感覚を満たせる「場」を提供したいという想いを持って活動を続けています。